L. C.: ¿Con que técnicas empezaste y por qué?
M. V.: A partir de mi conexión con la arquitectura y el comic comienzo a ver imágenes en blanco y negro y había revistas de historietas más experimentales francesas y españolas que llegaban a Bs. As., con artistas que me gustaban mucho y que aún me gustan en la actualidad. El dibujo es hoy la cosa troncal de mi trabajo y dialoga con aquella llegada al arte a través de la historieta, me parece que con el blanco y el negro sumado al talento del autor la obra funciona perfectamente. Más que una limitación me parece una magia crear un mundo a partir de dos colores y puedo hablarte del comic como de las estampas japonesas y otras herencias blanco y negro a lo largo de la historia. Desde chico dibujé, me bastaba un lápiz y un papel para pasar una tarde fenomenal pero en el lápiz comencé a encontrar algo delicioso y en algún momento me jacté de que en el dibujo uno está constantemente manejando la imagen, desde la primera marca hasta la última quedan registradas en el papel, incluso la huella de la goma y las huellas accidentales quedan registradas en el objeto final, lo que significa que uno está todo el tiempo realizando la imagen y hay algo de esa inmediatez absoluta que tiene el dibujo que me seduce en particular. A diferencia de otras técnicas. Creo que si se quiere hay una ética, una posición corporal y un momento en el dibujo que creo que es algo más performático. Hay una especie de pericia y control, dos fuerzas contrapuestas, la de querer hacer un gesto y otra para controlar y que no se vaya. A diferencia del pincel u otras herramientas, la punta del lápiz es más directa, espontánea y transparente.

L. C.: De todas formas se ve la pintura en tu trabajo.
M. V.: Si pero se ve como formando parte del tema. La pintura es tan prominente en el arte que uno podría confundirse y en lugar de decir historia del arte podría decir historia de la pintura. Por lo tanto, como la historia del arte es el tema de mi trabajo siempre voy en búsqueda de eso, la cita, y traer al presente experiencias pasadas. Hay algo interesante en replicar algo que fue especialmente hecho con oleo o un fresco y hacerlo con grafito en blanco y negro, hay una traducción que en teoría volvería más contemporánea mi obra y aquella también, por mas pérdida que sea la experiencia vital que llevó adelante la creación de un trabajo como aquel que yo traigo a colación. Estamos hablando de la estética de la recepción y en la medida en que hablamos de la conformación de un lenguaje y de un modo de decir y en el hecho de hacerlo cotidianamente uno se da cuenta de los fracasos que conlleva en tanto uno no puede alcanzar nunca lo que uno está diciendo, como lo dice o los resultados que obtiene. Un poco por incapacidad y otro poco porque uno está trabajando con algo especialmente escurridizo. Tiene que ver con aquello que todos sentencian y me lleva a Borges y al texto sobre Menard y cuál fue el Quijote, si el que entró en la imprenta y luego hubo miles de quijotes, el que leíste vos o leí yo, y cada uno de ellos son uno y varios también.
Llegar a la obra desde la copia de una reproducción me parece positivo. Uno tiene que saber quién es Pizarro y qué es el impresionismo. Con esto de vivir en el Río de la Plata y la perspectiva del arte universal y local también. Todo está pasado por varios filtros. A la National Gallery de Londres tuve oportunidad de ir dos veces en mi vida, hay quien vive en la esquina. La “formación académica” está hecha por la pinacoteca de los genios y no dejan de ser un gran filtro que va generando un determinado acceso al todo eso. Un artista que siempre me gustó William Turner y me gustó durante mucho años para descubrir que el artista que yo había inventado no era el que vi en la National Gallery me había inventado aunque igual me cautivó. Era una recomposición ideal y con un valor agregado totalmente personal y que Turner no tenía porque hacerse cargo. Era la carga que uno le ponía a esas imágenes. Creo que todo el arte rioplatense está tamizado de eso. De una reproducción de sentido y creo que es un fenómeno fantástico y algo de todo eso se cuela en mi trabajo. Me encanta lidiar con aquello que los libros de historia me dijeron que eran los grandes momentos de la Historia del Arte. A ellos voy y los traduzco a mi manera con todos los errores que eso implica y con todas las ganancias también que puedo permitirme en la medida que no vivo en la esquina de la National Gallery ya que no tengo una relación oficial y directa con ellos. Hay algo clandestino en haberse formado académicamente a través de la pinacoteca de los genios. Y lo aprovecho.
Es tener una experiencia dislocada. Estamos en otro lugar viendo lo que sucede todo el tiempo en otro lugar. Luego está todo el disfrute del material con el cual tengo mis deleites. Creo que todo esto forma parte de nuestra cotidianeidad. Hay una especie de utopía de poder llegar a través del proceso que uno añade a un sentido verdadero u original más allá si uno parte de la reproducción de la reproducción de la reproducción. Y lograr con eso un nuevo sentido original, hay algo vertiginoso y emocionante si uno medianamente pudiera lograrlo. En ocasiones pareciera que así sucede por comentarios que me han hecho sobre mis obras que pareciera que hay nueva experiencia original.

L. C.: ¿Qué obra o exhibición te interesó particularmente y por qué?
M. V.: Hay muchas obras que me pegaron y no necesariamente las vi en vivo. Hay veces que el catálogo de una artista alcanza para sentir una empatía con ese artista. Una vez vi una muestra en París de artistas figurativos ingleses que iban desde Francis Bacon, Lucian Freud, Tony Bevan y algunos más contemporáneos que me impresionó mucho. No estoy revelando nada pero de verdad que comprobé por qué esos artistas tienen el status y la trayectoria que tienen. Pero hay obra que vi en pequeñas fotos y reproducciones y sin embargo funcionó para que yo produzca mi propio sentido y relato a partir de esa foto. Quizás porque había cosas que yo no podía ver. Una vez vi una obra de Gordon Matta Clark que me interesó muchísimo. A pesar de conocer un poco la teoría de su trabajo y todo su abordaje teórico pero era realmente lindísimo entrar en esa atmósfera. Era una pared mural enorme, pararse ahí y dejarse llevar por los colores, las formas y la proporción que tenia eso con uno. A veces pasa lo mismo con pequeñas fotos robadas de una reproducción, que a veces son en blanco y negro o a veces son muy pequeñas o con resoluciones horribles y sin embargo sólo eso es suficiente para producir sentidos y motorizar cosas en uno y que uno se avoque a responderlas.